DAMIEN HIRST

If I think of Damien Hirst, my head is hectic and colorful dots appear with formalin, animals, skulls, diamonds, butterflies and formaldehyde.

Hirst shakes and approximates me to the ephemeral existentialism. Others, however, deny their art and claim that he is a fraud exalted by the industry's most influential art dealers in the market. At least for me, when I see a work of Hirst I always think about the origins of the artist. While he studied Fine Arts, Damien Hirst was working in a morgue for years, and this is reflected in one way or another in his work. This idea is expressed in a direct way in their submerged in formaldehyde, either in whole or sectioned animals.

A few years ago, at the Metropolitan Museum in New York I could finally admire one of his works, It was the famous "The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living" (1991) by the British artist. It is a conceptual work in which a shark, just over four meters in length, is suspended in a transparent blue tank of formaldehyde. It is well known that even the Danish toymaker LEGO has done playback with the little shark. Works in this format are the sheep of the three cubes "'The Tranquility of Solitude (For George Dyer)" (2006), the zebra of "The Incredible Journey" (2008) or "The Golden Calf" (2008).

But Hirst is reinvented each time. One example is his sculpture "Verity" (2012), made ​​from steel and brass, twenty feet high, allegory of truth and justice, representing to a pregnant woman holding a sword, symbol of the justice and on a stack law books. Half of the sculpture openly shows the internal anatomy of the pregnant woman, while the other is hidden by the skin of her. We can not forget "For love of God" (2007), human skull encrusted with 8,601 flawless diamonds, including a pink pear-shaped diamond located in the forehead, manufactured by Bentley & Skinner jewelry.

Review the incredible beauty of the compositions of butterflies in his series "Butterflies". The appeal to nature is constant and this symbol of life transformation is a reflection of that. I love its colours.

Damien Hirst talks with us about existentialism, beauty and transience, creating sensations. Damien Hirst, the most prominent member Groucho Club, sorry, I mean the collective called Young British Artists.

Si pienso en Damien Hirst, mi cabeza se agita y de pronto aparecen puntos de colores, formol, animales enteros y seccionados, calaveras, diamantes, mariposas y más formol.

A mi Hirst me sacude, alborota y acerca al existencialismo efímero. Otros, sin embargo, reniegan de su arte y afirman que es un fraude encumbrado por el sector de los galeristas más influyentes en el mercado. No sé Vds., pero, al menos yo, cuando observo una obra de Hirst siempre pienso en los orígenes del artista. Damien Hirst estuvo durante años, mientras estudiaba Bellas Artes, trabajando en una morgue y eso se ve reflejado de una u otra manera en su obra. Esta idea se plasma de una forma directa en sus animales sumergidos en formol, bien en su integridad o seccionados.

Una tarde en el METROPOLITAN MUSEUM de Nueva York hace años pude admirar al fin una obra suya, fue el famoso “The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living” (1991) del artista británico. 'La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo', es una obra conceptual en la que un tiburón, de algo más de cuatro metros de longitud, se encuentra suspendido en un tanque transparente celeste de aldehído fórmico. Hasta la fábrica de juguetes danesa LEGO ha hecho una reproducción con el tiburoncito. Obras en este formato son: las ovejas de los tres cubos de “La tranquilidad de la Soledad” (2006), la cebra de “El viaje increíble” ('The Incredible Journey') o "El becerro de oro" (2008).  

Pero Hirst se reinventa a cada tiempo. Ejemplo de ello es su escultura “Verity”(2012) , en acero y bronce de veinte metros de altura, alegoría a la verdad y a la justicia,  que representa a una mujer embarazada que sujeta en alto una espada símbolo de justicia y sobre una pila de libros de derecho. La mitad de la escultura muestra abiertamente la anatomía interna de la mujer embarazada, apreciándose hasta el bebe, quedando la otra oculta con la piel de la misma. Imposible dejar de nombrar su “For love of God” (2007), calavera humana incrustada con 8.601 diamantes sin defectos, entre ellos un diamante rosa en forma de pera ubicado en la frente, manufacturado por la joyería Bentley & Skinner.

No puedo dejar de nombrar la increíble hermosura de las composiciones de mariposas en su serie “Butterflies”. El recurso a la naturaleza es incesante y este símbolo de la transformación de la vida es fiel reflejo de ello.

Damien Hirst dialoga con nosotros sobre existencialismo, belleza y fugacidad, crea sensaciones y finalmente nos despierta. Damien Hirst, miembro más sobresaliente del Groucho Club, digo del llamado colectivo Young British Artists.

 

BASQUIAT

Who was Basquiat? Who is Basquiat? Jean-Michel Basquiat was an American black artist of the eighties. At 27 years old he had already positioned itself on the top of the international galleries, collaborated with Andy Warhol, dated Madonna and abused of all known drugs. At that early age left us when he was a myth.

His painting, between primitivism and neo-expressionism, conveys strength and impatience, the despair of youth for learning and the excitement for trying all kinds of experiences. In Basquiat we can observe the influence of other artists, from the brushstrokes of de Kooning, the accumulations of Robert Rauschenberg, calligraphies of Cy Twombly and even traces of informality of Dubuffet.

His start in graffiti art influences over their work. However, some critics deny this, arguing that their are not painted graffiti, but messages in the form of poetry that Basquiat left in the city walls, in those years when he voluntarily left the family nest and under the condition of young black and latino descent without resources, he linked to the world of bands where started throwing their messages to the world in the form of pure poetry as a cryptic, satirical and philosophical language emerged directly from the street. However, the transition from the street to the canvas it is now regarded as its most brilliant period: graffiti signs that mix with street visions and symbolic forms of primitive cultural traditions, such as masks, skeletons and skulls, very instinctive content. We must also note the influence had on Basquiat at six years old the book Gray's Anatomy, which studied after suffering an accident.

Meanwhile, the market has raised his name in opposition to Keith Haring, post-pop artist graffiti  roots, a solid artistic training, unlike Basquiat, who only briefly went through some art schools. However, Basquiat reached the consideration of best black artist in a period of eight years during the decade of the eighties and the unusual numbers that have reached their work in recent auctions, reaching paid over $ 48 million for his "Dustheads".

The themes of his paintings deals with current and historical social reality and the inherent human obsessions: "Irony of Black Policeman" (1981) is a critique of the dominance of white control over African Americans; in "History of the Black people " identifies the Egyptian people that the African people as the cradle of Western civilization; the most significant aspect of" Untitled Skull "are the eyes, looking down, conveying a mixture of sadness and fear, clear example of spontaneity and experimental style Jean-Michel.

His friend Julian Schnabel filmed a movie about his life, trying to get closer now, their experiences and the world revolved around the artist.

One final note: the idea of ​​immortality. When a paternal Warhol appeared reproached drug abuse, Basquiat said: "Do not worry, I'm immortal".

 

¿Quién fue Basquiat? ¿Quién es Basquiat? Jean-Michel Basquiat fue un artista negro estadounidense de la década de los ochenta. A los 27 años de edad ya había logrado situarse en el mapa de las galerías a nivel internacional, colaborado con Andy Warhol, salido con Madonna y abusado de todas las drogas conocidas. A esa temprana edad nos dejó, marcando la definitiva consagración del mito.

Pero más allá de su controvertida vida, nos queda su obra, una obra a caballo entre el neoxpresionismo y el primitivismo. Su pintura reboza fuerza e impaciencia, el desespero de la juventud por aprender y la excitación de probar todo tipo de experiencias. En Basquiat advertimos fácilmente la influencia de otros artistas, desde los brochazos de De Kooning, las acumulaciones en las obras de Robert Rauschenberg, visos de las caligrafías de Cy Twombly e incluso trazos del informalismo de Dubuffet.

Sus comienzos en el arte del grafiti influye a lo largo de su trabajo. A pesar de ello, algunos críticos reniegan de ello argumentando que sus pintadas no son grafitis, sino mensajes en forma de poesía que Basquiat dejaba en muros y paredes de la ciudad, en aquellos años en los que, por voluntad propia, abandonó el nido familiar y, bajo la condición de joven, negro y ascendencia latina sin recursos, se vinculó al mundo de las bandas con las que comenzó a lanzar sus mensajes al mundo en forma de pura poesía como un lenguaje críptico, satírico y filosófico surgido directamente de la calle. Sin embargo, la transición de la calle al lienzo, en la actualidad se considera como su época más brillante: grafitis con signos que se mezclan con visiones callejeras y formas simbólicas de tradiciones culturales primitivas, como máscaras, esqueletos y calaveras, de contenido muy directo, muy instintivo. Advertir también la influencia que causó en Basquiat a los seis años de edad el libro Anatomía de Gray, en el cual se sumergió tras haber sufrido un accidente.

Por otro lado, el mercado ha levantado su nombre en contraposición al de Keith Haring, artista post-pop de raíces grafiteras, de una sólida formación artística, al contrario que Basquiat, quien solo atravesó fugazmente algunas escuelas de arte. A pesar de ello, Basquiat alcanzó en tan solo ocho años la consideración de mejor artista negro de los ochenta y una notoriedad en el panorama del arte inusitada. Como poco habituales son las cifras que han alcanzado sus obras en las últimas subastas, llegando a pagarse más de 48 millones de dólares por su “Dustheads”.

La temática de sus lienzos aborda la actual e histórica realidad social y las inherentes obsesiones del ser humano: “Irony of Negro Policeman” (1981) es una crítica al predominio del control de la raza blanca sobre los afroamericanos; en “History of the Black People” identifica al pueblo egipcio como aquel pueblo africano cuna de la civilización occidental; el aspecto más significativo de "Untitled Skull" son los ojos, mirando hacia el suelo, transmitiendo una mezcla de tristeza y miedo, ejemplo claro de la espontaneidad y estilo experimental de Jean-Michel.

Su amigo Julian Schnabel filmó una película sobre su vida, tratando de acercarnos el momento, sus vivencias y el mundo que giraba en torno al artista.

Un último apunte: la idea de su inmortalidad aparecía como pretexto cada vez que un Warhol paternal le recriminaba el abuso de las drogas: “No te preocupes, soy inmortal” –Baquiat dixit-.

ZAHA HADID

Zaha Hadid (Bagdad 1950) is an architect who blends architecture design, futuristic design, revolutionary art, conceptualism and deconstructivism. A dream come true.

 

She won the Pritzker Architecture Prize (considered the Nobel Prize of architecture) in 2004 and she is internationally recognized for her theoretical and academic work. Hadid, bachelor in mathematics and architecture, has a legion of followers, who admire the career development, as detractors disagree with mathematical scenery, remote correction and moderation.

 

Among his most representative and performed architectural works is the VITRA FIRE STATION (1993) in Weil am Rhein (Germany), fire station located at the Vitra Campus with expressive and dynamic forms, currently building for exhibitions and events; the futuristic BMW CENTRAL BUILDING (2005) in Leipzig, which captures the spirit of the car brand, expressing movement, smooth and envelopes curves; the LONDON AQUATIC CENTRE (2012) for the Olympic Games, inspired by the fluid geometries of water in motion, with an undulating roof that rises from the ground as a wave; or the spectacular and wonderful building GUANGZHOU OPERA HOUSE (2010), in which naked forms, allowing light to penetrate deep into the space, no right angles, walls and sloping roofs, and walkways that seem to converge on a other.

 

Her passion for design has led her to collaborate with different brands: catwalk for CHANEL Spring Summer 2012 at Paris Fashion Week, inspired by the deep sea scale in which the models paraded between giant coral, starfish sea and various marine animals; the interior of the MIND ZONE MILLENIUM DOME in the famous arena in London; Store also in London Spanish brand health ROCA (ROCA LONDON GALLERY); or the MOON SYSTEM sofa for Italian furniture firm B&B. We emphasize interior room designed in one plant from the PUERTA AMERICA HOTEL in Madrid, rooms in which you seem to find inside a spaceship. She has also worked for LOUIS VUITTON (ICON BAG), beads for SWAROSKI (beads) or LACOSTE (sinous boots).

 

In short, Hadid combines architecture, geology, landscape and topography. In her projects develops fluid geometry of natural systems in a dynamic, investigates the fragmentation and non-linear design process, synthesizing exterior and interior, light and dark, natural and artificial. She loves CORIAN material and the white colour. She is an innovative, rigorous, and subversive troublemaker person. Zaha Hadid, a real dreamer.

 

Hablar de Zaha Hadid (Bagdad, 1950) es hablar de arquitectura, de arquitectura en simbiosis con diseño, de diseño futurista, de arte revolucionario, de conceptualismo y de deconstructivismo. En una sola palabra, de soñar.

 

Ganadora del Premio de Arquitectura Pritzker (considerado como el Premio Nobel de la arquitectura) en el año 2004, Hadid es reconocida internacionalmente por su trabajo tanto teórico como académico. Formada en matemáticas y arquitectura, tiene a la par una legión de seguidores, que admiran la evolución de carrera, como de detractores, en desacuerdo con una escenografía matemática alejada de la corrección y la mesura.

 

  Entre sus obras arquitectónicas más representativas y llevadas a cabo cabe reseñar la VITRA FIRE STATION (1993) en Weil am Rhein (Alemania), estación de bomberos emplazada en el Vitra Campus de formas expresivas y dinámicas, que actualmente alberga exposiciones y eventos y que constituye un hito en la arquitectura contemporánea; el futurista BMW CENTRAL BUILDING (2005) en Leipzig, que recoge el espíritu de la marca de coches, expresando movimiento, curvas suaves y envolventes; el pabellón acuático para los juegos olímpicos de Londres LONDON AQUATIC CENTRE (2012) inspirado en las geometrías fluidas del agua en movimiento, con una cubierta ondulada que se eleva a partir del suelo como una onda; o el espectacular y maravilloso edificio de la GUANGZHOU OPERA HOUSE (2010), en el que, según sus propias palabras, desnuda la forma, permitiendo que la luz penetre profundamente en el espacio, sin ángulos rectos, paredes y techos inclinados, y pasillos de los espectadores que parecen confluir unos en otros.

 

Su pasión por el diseño la ha llevado a colaborar con diferentes firmas en la realización de incursiones tan dispares como arquitectura efímera, pasarela para el desfile de CHANEL de primavera verano 2012 en la Paris Fashion Week, inspirada en el fondo del mar a gran escala en la que las modelos desfilaron entre gigantescos corales, estrellas de mar y diversos animales marinos; el interiorismo de la denominada MIND ZONE MILLENIUM DOME en el famoso arena de Londres; la tienda también en Londres de la firma de sanitarios española ROCA (ROCA LONDON GALLERY) o el sofá MOON SYSTEM para la firma italiana de mobiliario B&B. En este sentido, hemos de reseñar el interiorismo llevado a cabo en las habitaciones de una planta del PUERTA AMERICA HOTEL en Madrid, estancias en las que pareces encontrarte en el interior de una nave espacial. Ha trabajado también para LOUIS VUITTON (ICON BAG), abalorios para SWAROSKI o unas sinuosas botas para LACOSTE.

 

  En síntesis, Hadid aúna arquitectura, geología, paisaje y topografía. En sus proyectos desarrolla la geometría fluida de los sistemas naturales en un espacio dinámico, investiga con la fragmentación y el proceso de diseño no lineal, sintetiza exterior e interior, la luz y la oscuridad, natural y artificial. Adora el CORIAN y el blanco inmaculado. Es innovadora, rigurosa, alborotadora y subversiva. Zaha Hadid, una auténtica soñadora.

AI WEIWEI

When we talk about AI WEIWEI we have to consider two aspects: his art and his defense of human rights in China, linked to each other.

Ai Weiwei is a Chinese artist, son of the famous contemporary Chinese poet Ai Qing. On political issues the Ai Weiwei’s family was imprisoned in a labor camp for over fifteen years with little contact with the outside world. He has been very critical of the Chinese government regime dissent supporting and denouncing the shoddy construction of school children after the earthquake in the city of Sichuan in the spring of 2008. Those feelings he transfer to an art installation on the facade of the Haus der Kunst in Munich, made with backpacks of school in memory of the dead children, forming a phrase in Chinese lettering that said "he lived happily in this world for seven years". As in the work SNAKE BAG, snake also made ​​with the same backpacks child victims of Sichuan. The Chinese government has responded harshly and Weiwei has been a victim of the demolition of his architectural study in Shanghai for alleged legal irregularities and detained for alleged economic crimes.

The first time I saw one of his works in front of me was in December 2010 in the turbine hall at the TATE MODERN  in London. It was the SUNFLOWER SEEDS. A seemingly endless carpet made ​​with a hundred million sunflower seeds, figuratively identical but actually unique. Each seed is made in porcelain and painted by the hands of more than 1,600 artisans from Jingdezhen, China's famous city known for the production of imperial porcelain. The craftsman as opposed to the "Made in China", the ancestral manual production in contrast to the mass production of modernity. Here Weiwei plays with the audience with the code what you see is not what you see, and what you see is not what it means. The seeds form an infinite surrounding landscape and because of the material used and the effort of the craftsman, the meaning of the work is a commentary of the current human condition.

Porcelain is also often used in his works: WATERMELON (2006), in his refined and brilliant pillars inspired by Chinese temples as shown PILAR 11 or in his BUBBLES (2008) in cobalt blue. And we can not forget his famous COLORED VASES (2008),  vessels seemingly Neolithic painted by the artist, or the famous COCA-COLA VASE vessel painted with the iconic logo of the brand of soda. During his stay in New York was defined as the “Andy Warhol Chinese.”

One of the collaborations that have had the greatest impact was the collaboration with Swiss architects Herzog & De Meuron in building the BIRD'S NEST stadium for the 2008 Beijing Olympics.

From the work of Ai Weiwei born debate, discussion, speculation up between authenticity and originality. Do not leave us indifferent and encourage our society to stand up and get involved with our environment.

I remember the morning of December 11, 2010. My friends and me recorded a video for Weiwei at the TATE in which we asked for his inspiration. Today, over the years, I have found the answer.

 

 

Al hablar de AI WEIWEI lo debemos hacer desde un profundo respeto hacia su persona en dos vertientes: su obra artística y su defensa de los derechos humanos en China, ligadas indiscutiblemente la una a la otra.

 Ai Weiwei  es un artista chino, hijo del famoso poeta contemporáneo chino Ai Qing. Por temas políticos la familia Ai Weiwei fue recluída en un campo de trabajo durante más de quince años, sin apenas contacto con el mundo exterior. Ha sido muy crítico con el régimen gubernamental chino, apoyando la disidencia y conocido por denunciar públicamente la mala calidad en la construcción de escuelas infantiles tras el terremoto sufrido por la ciudad de Sichuan en la primavera del año 2008. Esa exasperación la traslado al arte en una instalación a base de mochilas en recuerdo de los niños fallecidos en la fachada del museo alemán la Haus der Kunst de Munich, formando una frase en letras chinas que decía “Vivió feliz en este mundo durante siete años”. Así como en la obra SNAKE BAG, serpiente realizada también con las mismas mochilas de los niños víctimas de Sichuan. Las represalias no se hicieron esperar y ha sido víctima del derribo de su estudio arquitectónico en Shanghái por supuestas irregularidades de índole legal, así como detenido por presuntos delitos económicos.

La primera vez que vi una obra suya frente a mí fue en diciembre de 2010 en la TATE MODERN de Londres, en la sala de las turbinas. Era la SUNFLOWER SEEDS. Una extensa e infinita alfombra realizada aparentemente con cien millones de pipas de girasol, figuradamente idénticas pero realmente únicas, ya que sorprendentemente cada semilla está realizada y pintada en porcelana por las manos de 1600 artesanos de la ciudad de Jingdezhen, famosa ciudad china conocida por la producción de la porcelana imperial. Lo artesano en contraposición del “Made in China”, la producción manual ancestral en contraste con la producción en masa de la modernidad. Aquí Weiwei juega con el espectador con el repertorio de lo que ve no es lo que ve, y lo que ve no es lo que significa. Las semillas forman un paisaje inmenso, una exhibición envolvente, y la naturaleza preciosa del material empleado junto con el esfuerzo artesano y, en definitiva, el lenguaje de la obra hacen de este trabajo un extraordinario comentario de la condición humana actual.  

La porcelana también la ha empleado a menudo en trabajos como sus sandías WATERMELON (2006), en sus depurados y brillantes pilares inspirados en la arquitectura de los templos PILAR 11 o sus BUBBLES (2008) en azul cobalto. Y no podemos olvidar sus conocidas COLORED VASES (2008), vasijas al parecer de la época neolítica pintadas por el artista, o la famosa COCA-COLA VASE vasija pintada con el emblemático logo de la marca de refrescos. Durante su estancia en Nueva York se decía de él que era el Andy Warhol chino, no sin razón.

Una de las colaboraciones que mayor repercusión ha tenido fue la colaboración con los arquitectos suizos Herzog&De Meuron en la construcción del famoso estadio NIDO DE PÁJARO (BIRD’S NEST) para los Juegos Olímpicos de Pekín 2008. Posteriormente ha tratado de desvincularse del proyecto al utilizar el gobierno esa sincera forma de querer cambiar China como un elemento de propaganda del partido comunista.  

De la obra de Ai Weiwei nace el debate, la discusión, hasta la especulación entre la autenticidad y la originalidad. No nos deja indiferente y anima a nuestra sociedad a levantarnos e implicarnos con nuestro entorno.

Recuerdo que la mañana de aquel once de diciembre de 2010 mis amigas y yo dejábamos grabado un video para Weiwei en la TATE en el que le preguntábamos por su inspiración, hoy, con el paso de los años, me doy por respondido.

 

 

KLEIN BLUE - AZUL KLEIN

 

Since years ago I met the Klein blue and my attraction to him has grown remarkably. This color, patented by the author in 1960 as IKB (International Klein Blue) is a formula as secret as Coca- Cola or KFC fried chicken and its eleven species. This ultramarine color is the result of collaboration between Yves Klein and a friend chemist. They get that deep blue pigment with the dissolution in polyvinyl acetate.

Whoever has the opportunity to see one of his works in person, will be surprised to see how that color captures and wraps his attention. After approaching slowly and stay watching the piece the viewer experiences a kind of hypnosis growing and unconscious, not wanting to be bothered. It is a wonderful feeling for diving into the vastness and infinity of that big blue.

For Klein the color has a tremendous importance as "materialization of sensibility" and through him he takes that visual perception to a concept of a sensory perception. That did not understand the members of Salon des Nouvelles Réalités in 1955 when they rejected the work of Klein " Expression of the universe orange lead" to be made ​​with a single color. In such form, the blue color even more impact in this conception, as the color of the sea and sky, playing more abstract aspects of the pure nature.

Klein's first contact with art takes place in the family bosom, as the son of artists and at home he meets artists like Piet Mondrian and Jean Arp. But we can not forget to mention that Klein comes to art after having spent much of her life to the judo, having been his first profession and studied at the prestigious Japanese Kodokan Institute. This influence will be perceived years later in his art, as the torrent of philosophy, zen balance, immateriality and empty search, we can unequivocally see on your way to work.

Klein blue has inspired many artistic movements, from design and fashion to music.This blue bluish extracts a different perspective in relation to sculpture and painting known, highlighting their anthropometry in which we see that the two concepts converge. Works representing human dimensions and measures with its seductive blue, by naked women smeared in his painting that left the imprint of their bodies on the surface of the canvas.

it hurts to leave us so young, at 34 years old!

 

 

Desde que hace años conocí el azul Klein mi atracción hacia él no ha hecho más que crecer. Este color, patentado por su autor en el año 1960 como IKB (International Klein Blue) no deja de ser una fórmula tan secreta como la de la Coca-Cola o la del pollo frito KFC y sus once especies. Fruto de la colaboración entre el propio Yves Klein y un amigo químico del laboratorio farmacéutico francés Rhône Poulen nace dicho color, a través de la mezcla de pigmentos diluidos en acetato de polivinilo obtienen un azul ultramar de un brillo e intensidad sumamente profundo. Quien tiene la oportunidad de admirar una obra suya en primera persona, se sorprenderá al comprobar cómo dicho color capta y envuelve su atención. Tras acercarse lentamente y permanecer observando la pieza el espectador experimenta una especie de hipnosis creciente e inconsciente de la cual no quiere ser perturbado. Sumergirnos en la inmensidad e infinidad de ese gran azul es una sensación maravillosa.

Para Klein el color posee una importancia brutal como “materialización de la sensibilidad” y a través de él expresa y lleva su percepción visual a un concepto de percepción sensorial. Eso no lo comprendió el jurado del Salon des Réalités Nouvelles en el año 1955 cuando rechazó la obra de Klein “Expresión del unvierso de color naranja plomo” por estar realizada con un solo color. En este sentido, el color azul redunda aún más en esa concepción, al ser el color del mar y del cielo, reproduciendo los aspectos más abstractos de la  pura naturaleza.

El primer contacto de Klein con el arte tiene lugar en el propio seno familiar, al ser hijo de artistas y codearse con genios de la talla de Piet Mondrian o Jean Arp. Ahora bien, no podemos dejar de reseñar que Klein llega al arte tras haber dedicado gran parte de su vida al judo, habiendo sido su primera actividad profesional y cursado estudios en el prestigioso Instituto japonés de judo Kodokan. Esta influencia se percibirá años después en su arte, ya que ese torrente de filosofía, equilibrio zen, inmaterialidad y búsqueda de vacío lo podemos apreciar de forma inequívoca en su manera de hacer.

Del azul Klein se han nutrido muchas corrientes artísticas, desde el diseño y la moda, hasta la música, afirmándose incluso que inspiró a Domenico Modugno y Franco Migliaccila en su famosísima canción “Nel blu dipinto di blu” (Volare).

Este azul azulina arranca una perspectiva diferente a la escultura y pintura conocida hasta entonces, destacando sus antropometrías en las que podemos incluso atrevernos a decir que convergen ambos conceptos. Obras en la que plasma las dimensiones y medidas humanas con su seductor azul, mediante mujeres desnudas y embadurnadas en su pintura que dejaban la huella de sus cuerpos sobre la superficie del lienzo.

¡Lástima que este artista nos abandonara a la temprana edad de 34 años!

 

 

 

RON ARAD

I do not know when was the first time I saw one of his works, I guess it would be the Tom Vac chair, what I do remember is the first time I could associate his work with his name. It was the fall of 2009, I was in New York and one morning, after reaching one of the upper floors of the MOMA, I stumbled upon a retrospective of him. It was Ron Arad. At that time certainly excited me, and I could find an answer, put name to those creations that were on my retina and had no creator.

 

In the prelude to the MOMA exhibition welcomed us DO-LO-REZ (2008), an extraordinary work consists of sofa and carpet, fruit of conception between the virtual and the real, the name comes from the initials of the phrase "DO-LOW-RESOLUTION ". After the reception we went into a hall to admire whose elements were arranged at different heights and circular. Among the memories struck me especially the rocker BLO VOID (2006) in silver and blood red.

 

In the exhibition YVORYPRESS (Madrid-Spain) offers this fall 2013, meanwhile, is not a proper retrospective, but a meeting arranged harmoniously parts we approach the best way to make Israeli artist much of their facets using materials as diverse as steel, Corian, aluminum or polyethylene. Here we get the PING PONG table (work corrugated stainless steel and bronze designed to slow the game), beyond DO-LO-REZ, along with a foreword by his friend, the American writer Jonathan Safran Foer, whom he considered unclassifiable by neat and multidisciplinary character of the teacher, halfway between architect, designer, sculptor or even green.

 

The exhibition brings together from parts known as the "BLAME THE TOOLS", a model of Fiat 500 rods and plates made of stainless steel which reflects the spirit of his first creations , to be made of waste , through models and something that really fascinates me, freehand sketches of some of its projects. Arad energy we feel at every moment, since we enter the room , looking beyond the bottom and welcoming us his recent work "NO BAD COLOURS " ( 2013 ) , shelf on which making use of the latest technology presents a constant flickering mosaic of colors , or the bank recently also FOLLY ( 2013 ) , a work on the rotational molding technique which Arad sincerely once again I have fallen to the point that I was engrossed turning around, even squatting putting to admire from different perspectives softness and harmony of its lines , passing through the statuesque shelf " FREE STANDING CHINA" (2010 ) or its ROCKING CHAIRS .

 

At the beginning of the article was referring to the agitation I felt to unmask. Surely, in the future with the simple picture of an object, an infrared reader installed on your MAC will give us all the information relating to its creator, but until then keep on dreaming and feeling emotion with each discovery.

 

We stayed with a teacher's phrase, "the only principle is not based on what already exists."
 

                                  

 

Desconozco cuando fue la primera vez que vi una obra suya, supongo que sería la silla Tom VAC, lo que sí recuerdo es la primera vez que pude asociar su obra con su nombre. Corría el otoño del año 2009, me encontraba en Nueva York y una mañana, tras alcanzar una de las plantas superiores del MOMA, me tropecé con una retrospectiva de él. Era Ron Arad. En aquel momento ciertamente me emocioné, ya que pude encontrar respuesta, ponerle nombre y apellido, a aquellas creaciones que estaban en mi retina y no tenía creador.

En la antesala a la exposición del MOMA nos daba la bienvenida DO-LO-REZ (2008), una extraordinaria obra formada por sofá y alfombra fruto de la concepción entre lo virtual y lo real, el nombre procede de las siglas de la frase “DO-LOW-RESOLUTION”. Tras ese recibimiento nos adentrábamos en una sala cuyos elementos a admirar se encontraban dispuestos a diferente altura y de forma circular. Entre las que me impactó recuerdo especialmente la mecedora BLO VOID (2006) en color plata y rojo sangre.

En la exposición que YVORYPRESS (Madrid) nos ofrece este otoño de 2013, por su parte, no se trata de una retrospectiva propiamente dicha, sino de una reunión de piezas armónicamente dispuestas que nos acercan a la mejor manera de hacer del artista israelí en gran parte de sus facetas utilizando materiales tan diversos como el acero, Corian, aluminio o polietileno.  Aquí nos recibe la PING PONG table (obra ondulada en acero inoxidable y bronce diseñada para ralentizar el juego), más allá DO-LO-REZ, junto con un prólogo de su amigo el escritor norteamericano Jonathan Safran Foer, al cual éste considera inclasificable por el carácter prolijo y multidisciplinar del maestro, a caballo entre arquitecto, diseñador, escultor o, incluso, ecologista.

La muestra reúne desde piezas conocidas como el “BLAME THE TOOLS” (Culpa a las herramientas), un modelo de Fiat 500 hecho de varillas y placas de acero inoxidable en la que se recoge ese espíritu de sus primeras creaciones, al estar realizado con desechos; pasando por maquetas y algo que verdaderamente me fascina, bocetos a mano alzada de alguno de sus proyectos. La energía de Arad la sentimos a cada instante, desde que nos adentramos en la sala, alzando la vista y acogiéndonos allá al fondo su obra reciente “NO BAD COLOURS” (2013), estantería en la que sirviéndose de la última tecnología nos presenta un parpadeante y constante mosaico de colores; o el también reciente banco FOLLY (2013), obra realizada bajo la técnica del moldeo rotacional de la que sinceramente una vez más Arad me he enamorado, hasta el punto que estuve ensimismado dando vueltas a su alrededor , incluso poniéndome en cuclillas, para admirar desde diferentes perspectivas la suavidad y armonía de sus líneas; pasando por la escultural estantería “FREE STANDING CHINA” (2010) o sus ROCKING CHAIRS.

Al principio del artículo hacía alusión a la agitación que sentí al desenmascararlo, seguramente, en el futuro con la simple foto de un objeto, un lector infrarrojo instalado en nuestro MAC nos dará toda la información relativa a su creador, pero hasta entonces seguiremos soñando y emocionándonos con cada descubrimiento.

 

 

Nos quedamos con una frase del maestro: “el único principio es no basarse en lo que ya existe”.